Iker López Consuegra arquitectura
Mediante este artículo publicado en Julio-Agosto de 1940 en “Partisan Review” Greenberg pone en manifiesto su creencia en que cada una de las artes existía un deseo vehemente de disociarse de las demás, de tender hacia la pureza y que esa es la finalidad tenía que ser la del arte de la época, Estableciendo que cuando las formas ya no presentan resistencia a esta necesidad de representar la naturaleza, de ser literarias, es cuando al fin alcanzan su autonomía y pureza. Toma de contacto Nos expone que el Arte Abstracto, como cualquier otro arte, no es más que el reflejo de las circunstancias sociales de la época en la que viven sus artistas que depende de su entorno sociopolítico. La II Guerra Mundial crea una nueva causa y un clima propicio para los regionalistas y partidarios del realismo social (1), la urgente necesidad de nuevos temas condujo a Gorky, Pollock, Rothko, Gottlieb y Baziotes a hacer una nueva valoración del surrealismo, estilo que Greenberg renunciaba como él mismo escribió en distintos artículos “el contenido es diferente, pero el resultado es el mismo que buscaba el artista académico del S XIX… Cuando todos los problemas han sido resueltos sólo es posible el academicismo” (2) o también “no hay un cambio fundamental en las convenciones de la pintura tal y como fueron establecidas en el Renacimiento… nuevas anécdotas que ilustrar… fomentaron la rehabilitación del arte académico bajo un nuevo disfraz literario (3). Pero este giro mental surrealista permaneció desconocido, cuando París cayó en manos de los nazis, en la II GM el centro artístico mundial quedó aislado, esto hace que, por un acto de guerra, Nueva York se convirtiera en la capital internacional del arte (4), hecho que infundió en los artistas modernos americanos un sentimiento de confianza que les animaría a dejar de imitar estilos importados. Arte “dominante” Arte “recesivo” Greenberg nos explica cómo no siempre el arte dominante es el más brillante, pone como ejemplo la literatura del S XVII (aun siendo la música en esta época la mejor forma artística, la literatura fue la que más destacó) (5), esta vez, se puede encontrar una relación, socio económica, al intuir que lo que hizo popular la literatura fue la invención de la imprenta, con sus respectivas reducciones de costos de producción, y una incipiente burguesía que había enfocado gran parte de su energía creativa y adquisitiva a la literatura. (5) Greenberg pone de manifiesto que cuando un arte ejerce el rol dominante se convierte en el prototipo del resto de artes. El arte dominante trata de absorber las funciones de los otros creando una confusión de las artes en la que el superviviente, el recesivo, resulta pervertido y distorsionado viéndose forzado a negar su propia naturaleza en un esfuerzo por alcanzar los efectos del dominante. (5) Artes de la ilusión Cuando las artes han alcanzado tales grados de facilidad técnica les permite ocultar su medio, en otras palabras, el artista tiene tal poder sobre su material como para aniquilarlo en favor de la ilusión. Y aquí vuelve la música, de que se salva por su comparativa técnica rudimentaria y porque no habían sido explotada lo suficiente como para permitir esfuerzos ilusionistas. La pintura y escultura en cambio son las artes de la ilusión, la literatura era el arte dominante e influía en la pintura y escultura (que podían “retroinfluirse”), y ambas, a manos de talentos menores se habían convertido en títeres de la literatura.(6) “La abstracción repudia el uso de dispositivos narrativos que podrían someter el medio visual a modelos literarios. La experimentación del arte abstracto con formas visuales acerca estrechamente a la pintura a otra forma de arte, la música. La música y la abstracción están libres de andar buscando a tientas referentes exteriores y en la abstracción, según Greenberg, la pintura encuentra su naturaleza más absoluta, orientándose inevitablemente hacia más altos niveles de expresión”(7). Aunque no siempre es así, en China, la poesía está subordinada a la escultura y a la pintura, tal vez por el deleite visual de la escritura a mano. Recurre a Lessing para hablarnos sobre la ilusión y el engaño. “la poesía y la pintura nos agradan engañándonos”. Greenberg adapta libremente el Laocoonte de Lessing, para sostener que la distinción ontológica entre la literatura y la pintura no era como Lessing había propuesto, una distinción entre un arte figurativo basado en el tiempo y un arte figurativo basado en el espacio, sino entre dos artes, ninguno de los cuales era intrínsecamente figurativo y los cuales, en su forma moderna, rechazaban lo figurativo por considerarlo extrínseco a su esencia estética. (8) Greenberg opinaba que la pintura debía emanciparse totalmente de la literatura, un proceso empezado en el S XIX pero todavía no completado. La pintura era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producían enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música El medio El “medio” se corresponde con la serie de condiciones específicas que distinguen una forma expresiva de otra.(9) La historia de la vanguardia sería la de una progresiva aceptación de las resistencias del medio. Conllevando esta aceptación el sometimiento a los condicionantes impuestos por cada arte. Que en el caso de la pintura serían tres: la superficie plana del soporte, la delimitación del cuadro mediante el marco, y las propiedades del pigmento. “La pintura abandona el claroscuro y el modelado de la sombra… Los colores primarios sustituyen a los tonos y la tonalidad”.(10) Greenberg sigue el ejemplo de los representantes de la abstracción geométrica y probablemente por el que más influenciado esta es por Hofmann “se puede aprender más sobre el color de Matisse a partir de Hofmann que a partir del propio Matisse”(11) . Hofmann opinaba que el artista tenía que tener en cuenta tres factores: La naturaleza y sus leyes; la personalidad del artista; y el medio y las leyes que le son propias. Hofmann escribió en septiembre del 31 “La diferencia entre las artes surge a causa de la diferencia en la naturaleza de los medios… cada medio de expresión tiene su propia razón de ser… La clave para su comprensión reside en la apreciación de las limitaciones, cualidades y posibilidades. (12) Algo que está muy presente en la crítica de Greenberg “La pureza en el arte consiste en la aceptación de las limitaciones del medio artístico de que se trate. Las cualidades puramente plásticas o abstractas son las únicas que cuentan. El renacimiento romántico El renacimiento romántico o Revolución parecía en un principio ofrecer algo de esperanza para la pintura. La teoría romántica del arte es que el artista siente algo y transmite esa sensación a su audiencia. El medio en este caso fue lamentablemente un obstáculo entre el artista y su público, lo ideal, según Greenberg, sería que desapareciera por completo, de tal manera que la experiencia del espectador fuese la misma que la del creador. El romanticismo fue la última gran tendencia que fue seguida directamente por la sociedad burguesa. Para 1848, se había agotado. Iba a ser tarea de la vanguardia encontrar nuevas y adecuadas formas culturales para la expresión de esa misma sociedad sin sucumbir a sus divisiones ideológicas y su negativa a la autonomía de las artes. La vanguardia se convierte en la encarnación del instinto del arte de la autopreservación (13). El segundo tercio de la pintura del S.XIX, había degenerado de lo pictórico a lo pintoresco. Todo contribuye a la negación del medio, como si el artista se avergonzarse de pintar su imagen en lugar de soñarla. La pintura del S XIX hizo su primera ruptura con la literatura cuando Courbet, el primer pintor de vanguardia real según Greenberg, que trato de reducir su arte a los sentidos más inmediatos al pintar solo lo que el ojo podía ver como una máquina, sin ayuda de la mente. (14) El Impresionismo Abandona la experiencia de sentido común y trata de emular a la ciencia imaginando que con ello se conseguiría en esencia la misma pintura. La pintura impresionista se vuelve más un ejercicio de vibraciones de color de la representación de la naturaleza. Puntualizando que el primero en descubrir la exigencia de sometimiento a los límites de la pintura fue Manet. (14). En esta época ya hay un esfuerzo común en cada una de las artes en ampliar los recursos expresivos del medio, no con el fin de expresar ideas y conceptos, sino para expresar con mayores sensaciones de inmediatez, los elementos irreductibles de la experiencia. La pintura impresionista, con sus progresiones y ritmos de color, con sus estados de ánimo y atmósferas estaban llegando a efectos que los propios impresionistas veían en el método de la música romántica. La música La música como arte en sí mismo comenzó a ocupar una posición importante en relación con las otras artes. Se descubrió que la ventaja de la música estaba principalmente en el hecho de que era un arte “abstracto”, un arte de “forma pura”. Y era así porque no era capaz, objetivamente, de comunicar cualquier cosa más que una sensación. Y porque esa sensación no podría ser concebida en otros términos distintos a los que había entrado en conciencia. Los efectos de la música son efectos. La pintura por su parte, era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producen enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música. La pintura no debía ilustrar la música, sino adoptar su método, un método de permanente investigación formal en el campo de su propio material ( la sensación acústica) purgado de cualquier referencia o alusión intrínseca de mirarse al exterior. (15) La poesía Según Greenberg hasta la poesía debería descubrir su propia esencia, libre de la representación figurativa literaria del mundo. Esta esencia, en caso de la poesía, era la creación de emociones mediante el poder evocador y asociativo de las palabras. Había que liberar las palabras de la restricción semántica que impone la definición exacta, y usarlas para aproximarse al “margen del significado”, pero sin caer nunca en la especificidad de la referencia. Así que la poesía tuvo que huir de la literatura, se decide que el medio es esencialmente psicológico y sub o supra lógico. El poema es apuntar en la conciencia general del lector, no sólo su inteligencia (16). El sonido de las palabras es parte de su significado, para entregar la poesía a la materia y dar rienda suelta a su verdadero poder afectivo es necesario palabras libres de lógica. El Cubismo La destrucción del espacio pictórico realista, y con ella, la del objeto, se logró por medio del cubismo. Intenta destruir los métodos académicos para lograr volumen y profundidad. “Al mirar una pintura cubista de la última fase, somos testigos del nacimiento y muerte del espacio pictórico tridimensional” Se ha hablado antes de la influencia de Hans Hofmann en Greenberg. Hofmann no formó parte de la AAA siendo uno de los tres grupos aislados. Fue el profesor de arte más importante de Estados Unidos (17). El método compositivo de Picasso le proporcionó la base de sus enseñanzas, de las que Greenberg se nutre para escribir el artículo. La base de este sistema compositivo se resume en la visualización de los volúmenes; la traducción de estos en planos de color; la organización de estos en complejos para que el cuadro sea la Interacción de complejos lo que hace que las relaciones sean consecuentes es la sensación de volumen, o plasticidad, con que las superficies se vuelven a investir aunque sigan siendo planas. Es necesario para la comprensión de lo que Greenberg nos escribe en “Towards a Newer Laoccon” no alejarse de los tres factores que el artista debe tener en cuenta (Naturaleza y sus leyes, la personalidad del artista, el medio y las leyes que le son propias) según Hofmann, creo que son útiles para poder entender su reflexión en cuanto a restablecer la igualdad en cuanto a los distintos medios de expresión artística proclamando la autonomía de las distintas formas de arte y la importancia del medio, temas principales del artículo de Greenberg. (1)”The Artist for Victory, Inc.” se organizó a comienzos del 1942. Constaba de veintitrés sociedades, con unos 10000 miembros en todo el país y entre 3000 y 4000 en Nueva York. El propósito de la organización era promover la campaña de la guerra. En cierto modo, pretendía ser, de una manera probada, la continuación del Federal Art Proyect. (2) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.7 (12 agosto 1944), pág. 193 (3) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.8 (19 agosto 1944), pág. 219-20 (4) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 62 (5) Ibid, pág 24 (6) Ibid, pág 25 (7) “Espontaneísmo y convencionalismo en las definiciones del arte de vanguardia”. Eduardo Neiva. (8) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 102 (9) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg10 (10) Ibid, pág 307 (11) Greenberg “New York Painting only yesterday” Pág. 84 (12) Hofmann “Search for the Real” Reimpreso Cambridge, 1967, pág 57 (13) Ibid, pág. 27 (13) Ibid, pág. 29 (14) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg15 (15) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 103 (16) Ibid, pág. 33 (17) En 1915, Hofmann abrió su escuela de BBAA en Múnich. La cerro en 1932, en verano de 1330 enseño en la universidad de Berkeley, en la primavera de1931, en la Chouinard School of Art, Los Angeles, y de nuevo en Berkeley en verano. En invierno de 1932, dio clases en la Art Students League, Nueva York, y en verano de 1933, en la Thurn school of Fine Arts de Gloucester, Massachusett. En otoño abrio una escuela de arte en la Avenida Madison en Nueva York. En verano de1935 abrio una escuela en Provicetown Massachusett. (18) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 50 Año: 2014 inicio bio colaboraciones publicaciones contacto
madrid 2015/16
Mediante este artículo publicado en Julio-Agosto de 1940 en “Partisan Review” Greenberg pone en manifiesto su creencia en que cada una de las artes existía un deseo vehemente de disociarse de las demás, de tender hacia la pureza y que esa es la finalidad tenía que ser la del arte de la época, Estableciendo que cuando las formas ya no presentan resistencia a esta necesidad de representar la naturaleza, de ser literarias, es cuando al fin alcanzan su autonomía y pureza. Toma de contacto Nos expone que el Arte Abstracto, como cualquier otro arte, no es más que el reflejo de las circunstancias sociales de la época en la que viven sus artistas que depende de su entorno sociopolítico. La II Guerra Mundial crea una nueva causa y un clima propicio para los regionalistas y partidarios del realismo social (1), la urgente necesidad de nuevos temas condujo a Gorky, Pollock, Rothko, Gottlieb y Baziotes a hacer una nueva valoración del surrealismo, estilo que Greenberg renunciaba como él mismo escribió en distintos artículos “el contenido es diferente, pero el resultado es el mismo que buscaba el artista académico del S XIX… Cuando todos los problemas han sido resueltos sólo es posible el academicismo” (2) o también “no hay un cambio fundamental en las convenciones de la pintura tal y como fueron establecidas en el Renacimiento… nuevas anécdotas que ilustrar… fomentaron la rehabilitación del arte académico bajo un nuevo disfraz literario (3). Pero este giro mental surrealista permaneció desconocido, cuando París cayó en manos de los nazis, en la II GM el centro artístico mundial quedó aislado, esto hace que, por un acto de guerra, Nueva York se convirtiera en la capital internacional del arte (4), hecho que infundió en los artistas modernos americanos un sentimiento de confianza que les animaría a dejar de imitar estilos importados. Arte “dominante” Arte “recesivo” Greenberg nos explica cómo no siempre el arte dominante es el más brillante, pone como ejemplo la literatura del S XVII (aun siendo la música en esta época la mejor forma artística, la literatura fue la que más destacó) (5), esta vez, se puede encontrar una relación, socio económica, al intuir que lo que hizo popular la literatura fue la invención de la imprenta, con sus respectivas reducciones de costos de producción, y una incipiente burguesía que había enfocado gran parte de su energía creativa y adquisitiva a la literatura. (5) Greenberg pone de manifiesto que cuando un arte ejerce el rol dominante se convierte en el prototipo del resto de artes. El arte dominante trata de absorber las funciones de los otros creando una confusión de las artes en la que el superviviente, el recesivo, resulta pervertido y distorsionado viéndose forzado a negar su propia naturaleza en un esfuerzo por alcanzar los efectos del dominante. (5) Artes de la ilusión Cuando las artes han alcanzado tales grados de facilidad técnica les permite ocultar su medio, en otras palabras, el artista tiene tal poder sobre su material como para aniquilarlo en favor de la ilusión. Y aquí vuelve la música, de que se salva por su comparativa técnica rudimentaria y porque no habían sido explotada lo suficiente como para permitir esfuerzos ilusionistas. La pintura y escultura en cambio son las artes de la ilusión, la literatura era el arte dominante e influía en la pintura y escultura (que podían “retroinfluirse”), y ambas, a manos de talentos menores se habían convertido en títeres de la literatura.(6) “La abstracción repudia el uso de dispositivos narrativos que podrían someter el medio visual a modelos literarios. La experimentación del arte abstracto con formas visuales acerca estrechamente a la pintura a otra forma de arte, la música. La música y la abstracción están libres de andar buscando a tientas referentes exteriores y en la abstracción, según Greenberg, la pintura encuentra su naturaleza más absoluta, orientándose inevitablemente hacia más altos niveles de expresión”(7). Aunque no siempre es así, en China, la poesía está subordinada a la escultura y a la pintura, tal vez por el deleite visual de la escritura a mano. Recurre a Lessing para hablarnos sobre la ilusión y el engaño. “la poesía y la pintura nos agradan engañándonos”. Greenberg adapta libremente el Laocoonte de Lessing, para sostener que la distinción ontológica entre la literatura y la pintura no era como Lessing había propuesto, una distinción entre un arte figurativo basado en el tiempo y un arte figurativo basado en el espacio, sino entre dos artes, ninguno de los cuales era intrínsecamente figurativo y los cuales, en su forma moderna, rechazaban lo figurativo por considerarlo extrínseco a su esencia estética. (8) Greenberg opinaba que la pintura debía emanciparse totalmente de la literatura, un proceso empezado en el S XIX pero todavía no completado. La pintura era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producían enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música El medio El “medio” se corresponde con la serie de condiciones específicas que distinguen una forma expresiva de otra.(9) La historia de la vanguardia sería la de una progresiva aceptación de las resistencias del medio. Conllevando esta aceptación el sometimiento a los condicionantes impuestos por cada arte. Que en el caso de la pintura serían tres: la superficie plana del soporte, la delimitación del cuadro mediante el marco, y las propiedades del pigmento. “La pintura abandona el claroscuro y el modelado de la sombra… Los colores primarios sustituyen a los tonos y la tonalidad”.(10) Greenberg sigue el ejemplo de los representantes de la abstracción geométrica y probablemente por el que más influenciado esta es por Hofmann “se puede aprender más sobre el color de Matisse a partir de Hofmann que a partir del propio Matisse”(11) . Hofmann opinaba que el artista tenía que tener en cuenta tres factores: La naturaleza y sus leyes; la personalidad del artista; y el medio y las leyes que le son propias. Hofmann escribió en septiembre del 31 “La diferencia entre las artes surge a causa de la diferencia en la naturaleza de los medios… cada medio de expresión tiene su propia razón de ser… La clave para su comprensión reside en la apreciación de las limitaciones, cualidades y posibilidades. (12) Algo que está muy presente en la crítica de Greenberg “La pureza en el arte consiste en la aceptación de las limitaciones del medio artístico de que se trate. Las cualidades puramente plásticas o abstractas son las únicas que cuentan. El renacimiento romántico El renacimiento romántico o Revolución parecía en un principio ofrecer algo de esperanza para la pintura. La teoría romántica del arte es que el artista siente algo y transmite esa sensación a su audiencia. El medio en este caso fue lamentablemente un obstáculo entre el artista y su público, lo ideal, según Greenberg, sería que desapareciera por completo, de tal manera que la experiencia del espectador fuese la misma que la del creador. El romanticismo fue la última gran tendencia que fue seguida directamente por la sociedad burguesa. Para 1848, se había agotado. Iba a ser tarea de la vanguardia encontrar nuevas y adecuadas formas culturales para la expresión de esa misma sociedad sin sucumbir a sus divisiones ideológicas y su negativa a la autonomía de las artes. La vanguardia se convierte en la encarnación del instinto del arte de la autopreservación (13). El segundo tercio de la pintura del S.XIX, había degenerado de lo pictórico a lo pintoresco. Todo contribuye a la negación del medio, como si el artista se avergonzarse de pintar su imagen en lugar de soñarla. La pintura del S XIX hizo su primera ruptura con la literatura cuando Courbet, el primer pintor de vanguardia real según Greenberg, que trato de reducir su arte a los sentidos más inmediatos al pintar solo lo que el ojo podía ver como una máquina, sin ayuda de la mente. (14) El Impresionismo Abandona la experiencia de sentido común y trata de emular a la ciencia imaginando que con ello se conseguiría en esencia la misma pintura. La pintura impresionista se vuelve más un ejercicio de vibraciones de color de la representación de la naturaleza. Puntualizando que el primero en descubrir la exigencia de sometimiento a los límites de la pintura fue Manet. (14). En esta época ya hay un esfuerzo común en cada una de las artes en ampliar los recursos expresivos del medio, no con el fin de expresar ideas y conceptos, sino para expresar con mayores sensaciones de inmediatez, los elementos irreductibles de la experiencia. La pintura impresionista, con sus progresiones y ritmos de color, con sus estados de ánimo y atmósferas estaban llegando a efectos que los propios impresionistas veían en el método de la música romántica. La música La música como arte en sí mismo comenzó a ocupar una posición importante en relación con las otras artes. Se descubrió que la ventaja de la música estaba principalmente en el hecho de que era un arte “abstracto”, un arte de “forma pura”. Y era así porque no era capaz, objetivamente, de comunicar cualquier cosa más que una sensación. Y porque esa sensación no podría ser concebida en otros términos distintos a los que había entrado en conciencia. Los efectos de la música son efectos. La pintura por su parte, era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producen enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música. La pintura no debía ilustrar la música, sino adoptar su método, un método de permanente investigación formal en el campo de su propio material ( la sensación acústica) purgado de cualquier referencia o alusión intrínseca de mirarse al exterior. (15) La poesía Según Greenberg hasta la poesía debería descubrir su propia esencia, libre de la representación figurativa literaria del mundo. Esta esencia, en caso de la poesía, era la creación de emociones mediante el poder evocador y asociativo de las palabras. Había que liberar las palabras de la restricción semántica que impone la definición exacta, y usarlas para aproximarse al “margen del significado”, pero sin caer nunca en la especificidad de la referencia. Así que la poesía tuvo que huir de la literatura, se decide que el medio es esencialmente psicológico y sub o supra lógico. El poema es apuntar en la conciencia general del lector, no sólo su inteligencia (16). El sonido de las palabras es parte de su significado, para entregar la poesía a la materia y dar rienda suelta a su verdadero poder afectivo es necesario palabras libres de lógica. El Cubismo La destrucción del espacio pictórico realista, y con ella, la del objeto, se logró por medio del cubismo. Intenta destruir los métodos académicos para lograr volumen y profundidad. “Al mirar una pintura cubista de la última fase, somos testigos del nacimiento y muerte del espacio pictórico tridimensional” Se ha hablado antes de la influencia de Hans Hofmann en Greenberg. Hofmann no formó parte de la AAA siendo uno de los tres grupos aislados. Fue el profesor de arte más importante de Estados Unidos (17). El método compositivo de Picasso le proporcionó la base de sus enseñanzas, de las que Greenberg se nutre para escribir el artículo. La base de este sistema compositivo se resume en la visualización de los volúmenes; la traducción de estos en planos de color; la organización de estos en complejos para que el cuadro sea la Interacción de complejos lo que hace que las relaciones sean consecuentes es la sensación de volumen, o plasticidad, con que las superficies se vuelven a investir aunque sigan siendo planas. Es necesario para la comprensión de lo que Greenberg nos escribe en “Towards a Newer Laoccon” no alejarse de los tres factores que el artista debe tener en cuenta (Naturaleza y sus leyes, la personalidad del artista, el medio y las leyes que le son propias) según Hofmann, creo que son útiles para poder entender su reflexión en cuanto a restablecer la igualdad en cuanto a los distintos medios de expresión artística proclamando la autonomía de las distintas formas de arte y la importancia del medio, temas principales del artículo de Greenberg. (1)”The Artist for Victory, Inc.” se organizó a comienzos del 1942. Constaba de veintitrés sociedades, con unos 10000 miembros en todo el país y entre 3000 y 4000 en Nueva York. El propósito de la organización era promover la campaña de la guerra. En cierto modo, pretendía ser, de una manera probada, la continuación del Federal Art Proyect. (2) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.7 (12 agosto 1944), pág. 193 (3) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.8 (19 agosto 1944), pág. 219-20 (4) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 62 (5) Ibid, pág 24 (6) Ibid, pág 25 (7) “Espontaneísmo y convencionalismo en las definiciones del arte de vanguardia”. Eduardo Neiva. (8) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 102 (9) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg10 (10) Ibid, pág 307 (11) Greenberg “New York Painting only yesterday” Pág. 84 (12) Hofmann “Search for the Real” Reimpreso Cambridge, 1967, pág 57 (13) Ibid, pág. 27 (13) Ibid, pág. 29 (14) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg15 (15) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 103 (16) Ibid, pág. 33 (17) En 1915, Hofmann abrió su escuela de BBAA en Múnich. La cerro en 1932, en verano de 1330 enseño en la universidad de Berkeley, en la primavera de1931, en la Chouinard School of Art, Los Angeles, y de nuevo en Berkeley en verano. En invierno de 1932, dio clases en la Art Students League, Nueva York, y en verano de 1933, en la Thurn school of Fine Arts de Gloucester, Massachusett. En otoño abrio una escuela de arte en la Avenida Madison en Nueva York. En verano de1935 abrio una escuela en Provicetown Massachusett. (18) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 50 Año: 2014
madrid 2015/16
Mediante este artículo publicado en Julio-Agosto de 1940 en “Partisan Review” Greenberg pone en manifiesto su creencia en que cada una de las artes existía un deseo vehemente de disociarse de las demás, de tender hacia la pureza y que esa es la finalidad tenía que ser la del arte de la época, Estableciendo que cuando las formas ya no presentan resistencia a esta necesidad de representar la naturaleza, de ser literarias, es cuando al fin alcanzan su autonomía y pureza. Toma de contacto Nos expone que el Arte Abstracto, como cualquier otro arte, no es más que el reflejo de las circunstancias sociales de la época en la que viven sus artistas que depende de su entorno sociopolítico. La II Guerra Mundial crea una nueva causa y un clima propicio para los regionalistas y partidarios del realismo social (1), la urgente necesidad de nuevos temas condujo a Gorky, Pollock, Rothko, Gottlieb y Baziotes a hacer una nueva valoración del surrealismo, estilo que Greenberg renunciaba como él mismo escribió en distintos artículos “el contenido es diferente, pero el resultado es el mismo que buscaba el artista académico del S XIX… Cuando todos los problemas han sido resueltos sólo es posible el academicismo” (2) o también “no hay un cambio fundamental en las convenciones de la pintura tal y como fueron establecidas en el Renacimiento… nuevas anécdotas que ilustrar… fomentaron la rehabilitación del arte académico bajo un nuevo disfraz literario (3). Pero este giro mental surrealista permaneció desconocido, cuando París cayó en manos de los nazis, en la II GM el centro artístico mundial quedó aislado, esto hace que, por un acto de guerra, Nueva York se convirtiera en la capital internacional del arte (4), hecho que infundió en los artistas modernos americanos un sentimiento de confianza que les animaría a dejar de imitar estilos importados. Arte “dominante” Arte “recesivo” Greenberg nos explica cómo no siempre el arte dominante es el más brillante, pone como ejemplo la literatura del S XVII (aun siendo la música en esta época la mejor forma artística, la literatura fue la que más destacó) (5), esta vez, se puede encontrar una relación, socio económica, al intuir que lo que hizo popular la literatura fue la invención de la imprenta, con sus respectivas reducciones de costos de producción, y una incipiente burguesía que había enfocado gran parte de su energía creativa y adquisitiva a la literatura. (5) Greenberg pone de manifiesto que cuando un arte ejerce el rol dominante se convierte en el prototipo del resto de artes. El arte dominante trata de absorber las funciones de los otros creando una confusión de las artes en la que el superviviente, el recesivo, resulta pervertido y distorsionado viéndose forzado a negar su propia naturaleza en un esfuerzo por alcanzar los efectos del dominante. (5) Artes de la ilusión Cuando las artes han alcanzado tales grados de facilidad técnica les permite ocultar su medio, en otras palabras, el artista tiene tal poder sobre su material como para aniquilarlo en favor de la ilusión. Y aquí vuelve la música, de que se salva por su comparativa técnica rudimentaria y porque no habían sido explotada lo suficiente como para permitir esfuerzos ilusionistas. La pintura y escultura en cambio son las artes de la ilusión, la literatura era el arte dominante e influía en la pintura y escultura (que podían “retroinfluirse”), y ambas, a manos de talentos menores se habían convertido en títeres de la literatura.(6) “La abstracción repudia el uso de dispositivos narrativos que podrían someter el medio visual a modelos literarios. La experimentación del arte abstracto con formas visuales acerca estrechamente a la pintura a otra forma de arte, la música. La música y la abstracción están libres de andar buscando a tientas referentes exteriores y en la abstracción, según Greenberg, la pintura encuentra su naturaleza más absoluta, orientándose inevitablemente hacia más altos niveles de expresión”(7). Aunque no siempre es así, en China, la poesía está subordinada a la escultura y a la pintura, tal vez por el deleite visual de la escritura a mano. Recurre a Lessing para hablarnos sobre la ilusión y el engaño. “la poesía y la pintura nos agradan engañándonos”. Greenberg adapta libremente el Laocoonte de Lessing, para sostener que la distinción ontológica entre la literatura y la pintura no era como Lessing había propuesto, una distinción entre un arte figurativo basado en el tiempo y un arte figurativo basado en el espacio, sino entre dos artes, ninguno de los cuales era intrínsecamente figurativo y los cuales, en su forma moderna, rechazaban lo figurativo por considerarlo extrínseco a su esencia estética. (8) Greenberg opinaba que la pintura debía emanciparse totalmente de la literatura, un proceso empezado en el S XIX pero todavía no completado. La pintura era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producían enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música El medio El “medio” se corresponde con la serie de condiciones específicas que distinguen una forma expresiva de otra.(9) La historia de la vanguardia sería la de una progresiva aceptación de las resistencias del medio. Conllevando esta aceptación el sometimiento a los condicionantes impuestos por cada arte. Que en el caso de la pintura serían tres: la superficie plana del soporte, la delimitación del cuadro mediante el marco, y las propiedades del pigmento. “La pintura abandona el claroscuro y el modelado de la sombra… Los colores primarios sustituyen a los tonos y la tonalidad”.(10) Greenberg sigue el ejemplo de los representantes de la abstracción geométrica y probablemente por el que más influenciado esta es por Hofmann “se puede aprender más sobre el color de Matisse a partir de Hofmann que a partir del propio Matisse”(11) . Hofmann opinaba que el artista tenía que tener en cuenta tres factores: La naturaleza y sus leyes; la personalidad del artista; y el medio y las leyes que le son propias. Hofmann escribió en septiembre del 31 “La diferencia entre las artes surge a causa de la diferencia en la naturaleza de los medios… cada medio de expresión tiene su propia razón de ser… La clave para su comprensión reside en la apreciación de las limitaciones, cualidades y posibilidades. (12) Algo que está muy presente en la crítica de Greenberg “La pureza en el arte consiste en la aceptación de las limitaciones del medio artístico de que se trate. Las cualidades puramente plásticas o abstractas son las únicas que cuentan. El renacimiento romántico El renacimiento romántico o Revolución parecía en un principio ofrecer algo de esperanza para la pintura. La teoría romántica del arte es que el artista siente algo y transmite esa sensación a su audiencia. El medio en este caso fue lamentablemente un obstáculo entre el artista y su público, lo ideal, según Greenberg, sería que desapareciera por completo, de tal manera que la experiencia del espectador fuese la misma que la del creador. El romanticismo fue la última gran tendencia que fue seguida directamente por la sociedad burguesa. Para 1848, se había agotado. Iba a ser tarea de la vanguardia encontrar nuevas y adecuadas formas culturales para la expresión de esa misma sociedad sin sucumbir a sus divisiones ideológicas y su negativa a la autonomía de las artes. La vanguardia se convierte en la encarnación del instinto del arte de la autopreservación (13). El segundo tercio de la pintura del S.XIX, había degenerado de lo pictórico a lo pintoresco. Todo contribuye a la negación del medio, como si el artista se avergonzarse de pintar su imagen en lugar de soñarla. La pintura del S XIX hizo su primera ruptura con la literatura cuando Courbet, el primer pintor de vanguardia real según Greenberg, que trato de reducir su arte a los sentidos más inmediatos al pintar solo lo que el ojo podía ver como una máquina, sin ayuda de la mente. (14) El Impresionismo Abandona la experiencia de sentido común y trata de emular a la ciencia imaginando que con ello se conseguiría en esencia la misma pintura. La pintura impresionista se vuelve más un ejercicio de vibraciones de color de la representación de la naturaleza. Puntualizando que el primero en descubrir la exigencia de sometimiento a los límites de la pintura fue Manet. (14). En esta época ya hay un esfuerzo común en cada una de las artes en ampliar los recursos expresivos del medio, no con el fin de expresar ideas y conceptos, sino para expresar con mayores sensaciones de inmediatez, los elementos irreductibles de la experiencia. La pintura impresionista, con sus progresiones y ritmos de color, con sus estados de ánimo y atmósferas estaban llegando a efectos que los propios impresionistas veían en el método de la música romántica. La música La música como arte en sí mismo comenzó a ocupar una posición importante en relación con las otras artes. Se descubrió que la ventaja de la música estaba principalmente en el hecho de que era un arte “abstracto”, un arte de “forma pura”. Y era así porque no era capaz, objetivamente, de comunicar cualquier cosa más que una sensación. Y porque esa sensación no podría ser concebida en otros términos distintos a los que había entrado en conciencia. Los efectos de la música son efectos. La pintura por su parte, era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producen enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música. La pintura no debía ilustrar la música, sino adoptar su método, un método de permanente investigación formal en el campo de su propio material ( la sensación acústica) purgado de cualquier referencia o alusión intrínseca de mirarse al exterior. (15) La poesía Según Greenberg hasta la poesía debería descubrir su propia esencia, libre de la representación figurativa literaria del mundo. Esta esencia, en caso de la poesía, era la creación de emociones mediante el poder evocador y asociativo de las palabras. Había que liberar las palabras de la restricción semántica que impone la definición exacta, y usarlas para aproximarse al “margen del significado”, pero sin caer nunca en la especificidad de la referencia. Así que la poesía tuvo que huir de la literatura, se decide que el medio es esencialmente psicológico y sub o supra lógico. El poema es apuntar en la conciencia general del lector, no sólo su inteligencia (16). El sonido de las palabras es parte de su significado, para entregar la poesía a la materia y dar rienda suelta a su verdadero poder afectivo es necesario palabras libres de lógica. El Cubismo La destrucción del espacio pictórico realista, y con ella, la del objeto, se logró por medio del cubismo. Intenta destruir los métodos académicos para lograr volumen y profundidad. “Al mirar una pintura cubista de la última fase, somos testigos del nacimiento y muerte del espacio pictórico tridimensional” Se ha hablado antes de la influencia de Hans Hofmann en Greenberg. Hofmann no formó parte de la AAA siendo uno de los tres grupos aislados. Fue el profesor de arte más importante de Estados Unidos (17). El método compositivo de Picasso le proporcionó la base de sus enseñanzas, de las que Greenberg se nutre para escribir el artículo. La base de este sistema compositivo se resume en la visualización de los volúmenes; la traducción de estos en planos de color; la organización de estos en complejos para que el cuadro sea la Interacción de complejos lo que hace que las relaciones sean consecuentes es la sensación de volumen, o plasticidad, con que las superficies se vuelven a investir aunque sigan siendo planas. Es necesario para la comprensión de lo que Greenberg nos escribe en “Towards a Newer Laoccon” no alejarse de los tres factores que el artista debe tener en cuenta (Naturaleza y sus leyes, la personalidad del artista, el medio y las leyes que le son propias) según Hofmann, creo que son útiles para poder entender su reflexión en cuanto a restablecer la igualdad en cuanto a los distintos medios de expresión artística proclamando la autonomía de las distintas formas de arte y la importancia del medio, temas principales del artículo de Greenberg. (1)”The Artist for Victory, Inc.” se organizó a comienzos del 1942. Constaba de veintitrés sociedades, con unos 10000 miembros en todo el país y entre 3000 y 4000 en Nueva York. El propósito de la organización era promover la campaña de la guerra. En cierto modo, pretendía ser, de una manera probada, la continuación del Federal Art Proyect. (2) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.7 (12 agosto 1944), pág. 193 (3) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.8 (19 agosto 1944), pág. 219-20 (4) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 62 (5) Ibid, pág 24 (6) Ibid, pág 25 (7) “Espontaneísmo y convencionalismo en las definiciones del arte de vanguardia”. Eduardo Neiva. (8) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 102 (9) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg10 (10) Ibid, pág 307 (11) Greenberg “New York Painting only yesterday” Pág. 84 (12) Hofmann “Search for the Real” Reimpreso Cambridge, 1967, pág 57 (13) Ibid, pág. 27 (13) Ibid, pág. 29 (14) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg15 (15) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 103 (16) Ibid, pág. 33 (17) En 1915, Hofmann abrió su escuela de BBAA en Múnich. La cerro en 1932, en verano de 1330 enseño en la universidad de Berkeley, en la primavera de1931, en la Chouinard School of Art, Los Angeles, y de nuevo en Berkeley en verano. En invierno de 1932, dio clases en la Art Students League, Nueva York, y en verano de 1933, en la Thurn school of Fine Arts de Gloucester, Massachusett. En otoño abrio una escuela de arte en la Avenida Madison en Nueva York. En verano de1935 abrio una escuela en Provicetown Massachusett. (18) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 50 Año: 2014
madrid 2015/16
Mediante este artículo publicado en Julio-Agosto de 1940 en “Partisan Review” Greenberg pone en manifiesto su creencia en que cada una de las artes existía un deseo vehemente de disociarse de las demás, de tender hacia la pureza y que esa es la finalidad tenía que ser la del arte de la época, Estableciendo que cuando las formas ya no presentan resistencia a esta necesidad de representar la naturaleza, de ser literarias, es cuando al fin alcanzan su autonomía y pureza. Toma de contacto Nos expone que el Arte Abstracto, como cualquier otro arte, no es más que el reflejo de las circunstancias sociales de la época en la que viven sus artistas que depende de su entorno sociopolítico. La II Guerra Mundial crea una nueva causa y un clima propicio para los regionalistas y partidarios del realismo social (1), la urgente necesidad de nuevos temas condujo a Gorky, Pollock, Rothko, Gottlieb y Baziotes a hacer una nueva valoración del surrealismo, estilo que Greenberg renunciaba como él mismo escribió en distintos artículos “el contenido es diferente, pero el resultado es el mismo que buscaba el artista académico del S XIX… Cuando todos los problemas han sido resueltos sólo es posible el academicismo” (2) o también “no hay un cambio fundamental en las convenciones de la pintura tal y como fueron establecidas en el Renacimiento… nuevas anécdotas que ilustrar… fomentaron la rehabilitación del arte académico bajo un nuevo disfraz literario (3). Pero este giro mental surrealista permaneció desconocido, cuando París cayó en manos de los nazis, en la II GM el centro artístico mundial quedó aislado, esto hace que, por un acto de guerra, Nueva York se convirtiera en la capital internacional del arte (4), hecho que infundió en los artistas modernos americanos un sentimiento de confianza que les animaría a dejar de imitar estilos importados. Arte “dominante” Arte “recesivo” Greenberg nos explica cómo no siempre el arte dominante es el más brillante, pone como ejemplo la literatura del S XVII (aun siendo la música en esta época la mejor forma artística, la literatura fue la que más destacó) (5), esta vez, se puede encontrar una relación, socio económica, al intuir que lo que hizo popular la literatura fue la invención de la imprenta, con sus respectivas reducciones de costos de producción, y una incipiente burguesía que había enfocado gran parte de su energía creativa y adquisitiva a la literatura. (5) Greenberg pone de manifiesto que cuando un arte ejerce el rol dominante se convierte en el prototipo del resto de artes. El arte dominante trata de absorber las funciones de los otros creando una confusión de las artes en la que el superviviente, el recesivo, resulta pervertido y distorsionado viéndose forzado a negar su propia naturaleza en un esfuerzo por alcanzar los efectos del dominante. (5) Artes de la ilusión Cuando las artes han alcanzado tales grados de facilidad técnica les permite ocultar su medio, en otras palabras, el artista tiene tal poder sobre su material como para aniquilarlo en favor de la ilusión. Y aquí vuelve la música, de que se salva por su comparativa técnica rudimentaria y porque no habían sido explotada lo suficiente como para permitir esfuerzos ilusionistas. La pintura y escultura en cambio son las artes de la ilusión, la literatura era el arte dominante e influía en la pintura y escultura (que podían “retroinfluirse”), y ambas, a manos de talentos menores se habían convertido en títeres de la literatura.(6) “La abstracción repudia el uso de dispositivos narrativos que podrían someter el medio visual a modelos literarios. La experimentación del arte abstracto con formas visuales acerca estrechamente a la pintura a otra forma de arte, la música. La música y la abstracción están libres de andar buscando a tientas referentes exteriores y en la abstracción, según Greenberg, la pintura encuentra su naturaleza más absoluta, orientándose inevitablemente hacia más altos niveles de expresión”(7). Aunque no siempre es así, en China, la poesía está subordinada a la escultura y a la pintura, tal vez por el deleite visual de la escritura a mano. Recurre a Lessing para hablarnos sobre la ilusión y el engaño. “la poesía y la pintura nos agradan engañándonos”. Greenberg adapta libremente el Laocoonte de Lessing, para sostener que la distinción ontológica entre la literatura y la pintura no era como Lessing había propuesto, una distinción entre un arte figurativo basado en el tiempo y un arte figurativo basado en el espacio, sino entre dos artes, ninguno de los cuales era intrínsecamente figurativo y los cuales, en su forma moderna, rechazaban lo figurativo por considerarlo extrínseco a su esencia estética. (8) Greenberg opinaba que la pintura debía emanciparse totalmente de la literatura, un proceso empezado en el S XIX pero todavía no completado. La pintura era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producían enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música El medio El “medio” se corresponde con la serie de condiciones específicas que distinguen una forma expresiva de otra.(9) La historia de la vanguardia sería la de una progresiva aceptación de las resistencias del medio. Conllevando esta aceptación el sometimiento a los condicionantes impuestos por cada arte. Que en el caso de la pintura serían tres: la superficie plana del soporte, la delimitación del cuadro mediante el marco, y las propiedades del pigmento. “La pintura abandona el claroscuro y el modelado de la sombra… Los colores primarios sustituyen a los tonos y la tonalidad”.(10) Greenberg sigue el ejemplo de los representantes de la abstracción geométrica y probablemente por el que más influenciado esta es por Hofmann “se puede aprender más sobre el color de Matisse a partir de Hofmann que a partir del propio Matisse”(11) . Hofmann opinaba que el artista tenía que tener en cuenta tres factores: La naturaleza y sus leyes; la personalidad del artista; y el medio y las leyes que le son propias. Hofmann escribió en septiembre del 31 “La diferencia entre las artes surge a causa de la diferencia en la naturaleza de los medios… cada medio de expresión tiene su propia razón de ser… La clave para su comprensión reside en la apreciación de las limitaciones, cualidades y posibilidades. (12) Algo que está muy presente en la crítica de Greenberg “La pureza en el arte consiste en la aceptación de las limitaciones del medio artístico de que se trate. Las cualidades puramente plásticas o abstractas son las únicas que cuentan. El renacimiento romántico El renacimiento romántico o Revolución parecía en un principio ofrecer algo de esperanza para la pintura. La teoría romántica del arte es que el artista siente algo y transmite esa sensación a su audiencia. El medio en este caso fue lamentablemente un obstáculo entre el artista y su público, lo ideal, según Greenberg, sería que desapareciera por completo, de tal manera que la experiencia del espectador fuese la misma que la del creador. El romanticismo fue la última gran tendencia que fue seguida directamente por la sociedad burguesa. Para 1848, se había agotado. Iba a ser tarea de la vanguardia encontrar nuevas y adecuadas formas culturales para la expresión de esa misma sociedad sin sucumbir a sus divisiones ideológicas y su negativa a la autonomía de las artes. La vanguardia se convierte en la encarnación del instinto del arte de la autopreservación (13). El segundo tercio de la pintura del S.XIX, había degenerado de lo pictórico a lo pintoresco. Todo contribuye a la negación del medio, como si el artista se avergonzarse de pintar su imagen en lugar de soñarla. La pintura del S XIX hizo su primera ruptura con la literatura cuando Courbet, el primer pintor de vanguardia real según Greenberg, que trato de reducir su arte a los sentidos más inmediatos al pintar solo lo que el ojo podía ver como una máquina, sin ayuda de la mente. (14) El Impresionismo Abandona la experiencia de sentido común y trata de emular a la ciencia imaginando que con ello se conseguiría en esencia la misma pintura. La pintura impresionista se vuelve más un ejercicio de vibraciones de color de la representación de la naturaleza. Puntualizando que el primero en descubrir la exigencia de sometimiento a los límites de la pintura fue Manet. (14). En esta época ya hay un esfuerzo común en cada una de las artes en ampliar los recursos expresivos del medio, no con el fin de expresar ideas y conceptos, sino para expresar con mayores sensaciones de inmediatez, los elementos irreductibles de la experiencia. La pintura impresionista, con sus progresiones y ritmos de color, con sus estados de ánimo y atmósferas estaban llegando a efectos que los propios impresionistas veían en el método de la música romántica. La música La música como arte en sí mismo comenzó a ocupar una posición importante en relación con las otras artes. Se descubrió que la ventaja de la música estaba principalmente en el hecho de que era un arte “abstracto”, un arte de “forma pura”. Y era así porque no era capaz, objetivamente, de comunicar cualquier cosa más que una sensación. Y porque esa sensación no podría ser concebida en otros términos distintos a los que había entrado en conciencia. Los efectos de la música son efectos. La pintura por su parte, era un arte de pura sensación óptica, cuyos efectos se producen enteramente por la disposición de la línea y el color en una superficie plana, evitando el mínimo indicio de figuración, de una manera análoga a las sensaciones puramente acústicas producidas por la música. La pintura no debía ilustrar la música, sino adoptar su método, un método de permanente investigación formal en el campo de su propio material ( la sensación acústica) purgado de cualquier referencia o alusión intrínseca de mirarse al exterior. (15) La poesía Según Greenberg hasta la poesía debería descubrir su propia esencia, libre de la representación figurativa literaria del mundo. Esta esencia, en caso de la poesía, era la creación de emociones mediante el poder evocador y asociativo de las palabras. Había que liberar las palabras de la restricción semántica que impone la definición exacta, y usarlas para aproximarse al “margen del significado”, pero sin caer nunca en la especificidad de la referencia. Así que la poesía tuvo que huir de la literatura, se decide que el medio es esencialmente psicológico y sub o supra lógico. El poema es apuntar en la conciencia general del lector, no sólo su inteligencia (16). El sonido de las palabras es parte de su significado, para entregar la poesía a la materia y dar rienda suelta a su verdadero poder afectivo es necesario palabras libres de lógica. El Cubismo La destrucción del espacio pictórico realista, y con ella, la del objeto, se logró por medio del cubismo. Intenta destruir los métodos académicos para lograr volumen y profundidad. “Al mirar una pintura cubista de la última fase, somos testigos del nacimiento y muerte del espacio pictórico tridimensional” Se ha hablado antes de la influencia de Hans Hofmann en Greenberg. Hofmann no formó parte de la AAA siendo uno de los tres grupos aislados. Fue el profesor de arte más importante de Estados Unidos (17). El método compositivo de Picasso le proporcionó la base de sus enseñanzas, de las que Greenberg se nutre para escribir el artículo. La base de este sistema compositivo se resume en la visualización de los volúmenes; la traducción de estos en planos de color; la organización de estos en complejos para que el cuadro sea la Interacción de complejos lo que hace que las relaciones sean consecuentes es la sensación de volumen, o plasticidad, con que las superficies se vuelven a investir aunque sigan siendo planas. Es necesario para la comprensión de lo que Greenberg nos escribe en “Towards a Newer Laoccon” no alejarse de los tres factores que el artista debe tener en cuenta (Naturaleza y sus leyes, la personalidad del artista, el medio y las leyes que le son propias) según Hofmann, creo que son útiles para poder entender su reflexión en cuanto a restablecer la igualdad en cuanto a los distintos medios de expresión artística proclamando la autonomía de las distintas formas de arte y la importancia del medio, temas principales del artículo de Greenberg. (1)”The Artist for Victory, Inc.” se organizó a comienzos del 1942. Constaba de veintitrés sociedades, con unos 10000 miembros en todo el país y entre 3000 y 4000 en Nueva York. El propósito de la organización era promover la campaña de la guerra. En cierto modo, pretendía ser, de una manera probada, la continuación del Federal Art Proyect. (2) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.7 (12 agosto 1944), pág. 193 (3) .Greenberg “Surrealist Paiting”, The nation CLIX No.8 (19 agosto 1944), pág. 219-20 (4) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 62 (5) Ibid, pág 24 (6) Ibid, pág 25 (7) “Espontaneísmo y convencionalismo en las definiciones del arte de vanguardia”. Eduardo Neiva. (8) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 102 (9) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg10 (10) Ibid, pág 307 (11) Greenberg “New York Painting only yesterday” Pág. 84 (12) Hofmann “Search for the Real” Reimpreso Cambridge, 1967, pág 57 (13) Ibid, pág. 27 (13) Ibid, pág. 29 (14) Greenberg “La pintura moderna y otros ensayos” Ed.Siruela pg15 (15) P.Wollen . “El asalto a la nevera, Reflexiones sobre la cultura del siglo XX” ed. Akal pág 103 (16) Ibid, pág. 33 (17) En 1915, Hofmann abrió su escuela de BBAA en Múnich. La cerro en 1932, en verano de 1330 enseño en la universidad de Berkeley, en la primavera de1931, en la Chouinard School of Art, Los Angeles, y de nuevo en Berkeley en verano. En invierno de 1932, dio clases en la Art Students League, Nueva York, y en verano de 1933, en la Thurn school of Fine Arts de Gloucester, Massachusett. En otoño abrio una escuela de arte en la Avenida Madison en Nueva York. En verano de1935 abrio una escuela en Provicetown Massachusett. (18) Irving Sandler “El triunfo de la pintura norteamericana” pág. 50 Año: 2014
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